No hace ni cinco meses anuncié que la temporada 2010-2011 iba a dedicarla a perseguir” al director de orquesta australiano Sir Charles Mackerras allá donde decidiese interpretar. Como no podía ser de otra forma, el genio murió hace dos semanas.

Pocas pérdidas artísticas me han afectado tanto como la de este hombre. Afortunadamente tuve la oportunidad de asistir a sus conciertos y óperas unas cuantas veces cuando vivía en Londres. Recuerdo con especial agrado unas Nozze di Figaro que dirigió en la Royal Opera House de la capital londinense hace un par de años. Y un Julius Caesar (sí, en versión inglesa) de Händel que obviamente no pude presenciar porque tuvo lugar a principios de los años 80, cuando yo era un bebé, cuyos registros sonoros y videográficos revisito una y otra vez:

(Grandísima Dame Janet Baker, por cierto).

También recuerdo las celebraciones de su 80 cumpleaños en el Barbican. Y sus sinfonías de Mozart.

Este mismo año, de mayo a julio, dirigía un Così fan Tutte en el festival de Glyndebourne. Fue un gran disgusto no poder asistir porque mi calendario no daba para tanto. Visto lo visto, fue doblemente desafortunado el disgusto: fue la última oportunidad de verle sobre un podio.

Era un hombre que hacía una música exquisita, elegante, con clase. Así era él.

Rest in peace.

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Sir Charles Mackerras en Wikipedia  |  Link
Entrevista al director (en inglés)  |  Link

Seguramente no tendrán ni idea de lo que les voy a hablar. No se preocupen: no es culpa suya, es que no hacen gran esfuerzo por la comunicación.

Resulta que hay un festival de música culta en Bilbao que, más allá de la metrópoli, nadie conoce. Y me atrevería a decir que en la misma ciudad tampoco tiene mucho eco, aunque me juran que los eventos que organizan se llenan, “sobre todo las salas pequeñas”.

Y es una pena, porque esta especie de “maratón musical” que organiza la Fundación Bilbao 700, al más puro estilo La Folle Journée de Nantes (con el cual guarda, a juzgar por la similitud del cartel, una relación corporativa más que “inspiracional”) que reúne en tres días más de 60 conciertos bien merecería una presencia en la agenda de cualquier melómano en cientos de kilómetros a la redonda.

Esta edición, que se celebra el 5, 6 y 7 de marzo en el auditorio Euskalduna de Bilbao, tendrá como leitmotiv “Chopin y la Generación de 1810″ y se centrará en la música más representativa de la época romántica, con composiciones de los cuatro “grandes símbolos” de esta época Chopin, Schumann (de los cuales celebramos el 2º centenario de su nacimiento), Mendelssonh y Liszt. Como atractivo principal: la integral de la obra para piano de Chopin.

Dado que este fin de semana lo tengo un poco complicado, porque hoy tengo un Pintxos&Blogs y el domingo la cena de celebración del cumpleaños de mi señora madre (que cumple 6 décadas de vida el lunes 8 de marzo, día de la mujer), sólo podré asistir a los conciertos del sábado.

Además, resulta que gracias a la FNAC he ganado un sorteo por el que me han regalado una especie de abono. Me dicen que tengo entradas para los conciertos números: 14, 15, 16, 20, 21, 44, 45 y 46, así que supongo que se corresponderán a los siguientes:

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Sábado, 6 de marzo

11h00
Cuarteto Arriaga
La Ritirata
Mendelssohn : Octeto para cuatro violines, dos violas y dos violonchelos en mi bemol mayor opus 20.

12h30
Ensemble Zespól Polski
Maria Pomianowska dirección
Conjunto polaco formado por 6 músicos y dos bailarines, que interpreta la música folklórica tradicional polaca en la que se inspiró Chopin para muchas de sus composiciones.
Melodías y danzas tradicionales polacas.

14h00
Brigitte Engerer piano
Piezas para piano de:
Mendelssohn / Liszt / Schumann / Chopin / Wieck-Schumann/Liszt

21h00
Asier Polo violonchelo
Marta Zabaleta piano
Schumann : Phantasiestücke para clarinete y piano –transcripción para violonchelo– opus 73
Schumann : Märchenbilder para viola y piano –transcripción para violonchelo– opus 113
Schumann : Adagio y Allegro para trompa y piano –transcripción para violonchelo– en la bemol mayor opus 70

22h30
Trio Wanderer trio con piano
Chopin : Trío con piano en sol menor opus 8
Schumann : Trío con piano en re menor opus 63

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Domingo, 7 de marzo

10h00
Charlotte Müller Perrier soprano
Ensemble Vocal de Lausanne
Sinfonia Varsovia
Michel Corboz dirección
Mendelssohn : Salmo 55 “Hör mein Bitten, Herr” / Kyrie en re menor / “Wie der Hirsch schreit” opus 42

12h00
Anton Steck violín
Das Neue Orchester
Christoph Spering dirección
Mendelssohn : Sinfonía para orquesta de cuerdas nº5 en si mayor
Mendelssohn : Concierto para violín y cuerdas nº1 opus póstumo
Mendelssohn : Sinfonía para cuerdas nº10 en si menor

14h00
Trio Wanderer trio con piano
Schumann : Trío con piano en re menor opus 63
Mendelssohn : Trío con piano n°1 en re menor opus 49

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Eso, naturalmente, no significa que estos sean los conciertos a los que vaya a ir… de hecho probablemente termine en algún otro concierto…

Buon divertimento!

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Programa completo (pdf)  |  Link
Organizadores: Fundación Bilbao 700  |  Link

Magda Olivero (Saluzzo, 25 de marzo de 1910) es una soprano italiana. Está considerada una de las más grandes cantantes de la ópera verista especialmente recordada como Adriana Lecouvreur de Francesco Cilea. (Wikipedia dixit).

La Sra. Olivero, durante tres noches, tuvo un sueño extrañísimo, nos cuenta:

La primera noche vi una hoja de papel blanco con tres lineas negras.

La segunda noche vi la misma hoja con algo escrito que no consigo reconocer y oigo una voz que me dice “lo debes hacer”.

Llega la tercera noche. Vuelve la misma voz, y la misma hoja. Y ahora dice “recuérdalo: tú lo debes hacer” y veo la música de la Francesca [la ópera "Francesca da Rimini" de Riccardo Zandonai].

Y Magda, con 99 años, decidió convocar a todo el mundo para contar su historia y cantar una sola frase: “Paolo dàtemi pace” (“Paolo, dame paz”):

Una muestra más de que “quien tuvo, retuvo”… y de que tiempos pasados, jamás volverán a ser iguales.

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El video, en YouTube  |  Link
Magda Olivero en Wikipedia  |  Link
Video de entrevista a la Olivero  |  Link

Cada mes de mayo en Berlin Abbado retorna y cada vez lo hace para dejarnos la sensación de que alguien entiende y nos hace entender la música. Un entender estético que nos une al compositor y nos obliga a ser honestos de forma inmediata: ya no hay culpa de versiones, orquestas, auditorios o desencuentros. Abbado y Berliner desaparecen y solamente quedamos la obra (el autor) y nosotros y nuestra subjetividad, y nuestro límites y apercepciones, y nuestros “tempi” que siempre están equivocados curiosamente.

Abbado posee la capacidad de cohesionar para que nos perdamos si somos incapaces y que provoca un emoción y extrañezas primitivas, que nos recuerdan nuestra distancia a la obra y una efusiva precariedad que tiñe la emoción que todavía no poseemos. Lo importante no es aquí recalcar el Schubert íntimo, pero desde el espíritu no desde la privacidad, que expresa el todo en la repetición temática que se renueva y es como un mantra sedimentado en occidente. O desgranar la poética mahleriana cristalizada en la ingenuidad de una naturaleza que habla en la voz humana de un Knaben que la descubre mágica e impregnada del tiempo del recuerdo. O contemplar como el instante musical debussyano se desliga al mismo tiempo que indica su pertenencia a la totalidad de la obra; no es una naturaleza que se expresa a través de la música, es esta última que muestra un particular “bello naturale”.

Lo importante, vuelvo a repetir, es la posibilidad de reencontrar una experiencia que es una enseñanza y que nos permite renovar la respuesta que debemos formular siempre que nos enfrentamos al Ereignis artístico y que refiere a nuestra verdadera relación con él. 

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Primero en la versión grabada en Londres, y después en una versión de Parma. Observen las diferencias entre los espectadores de los dos auditorios.

Sin comentarios.

Si mi cita Abbadiana primaveral habitual suele tener lugar en Berlín (a donde este año acudiremos en expedición), en verano cambia de país germánico a país germánico y desplaza toda la atención al más grande festival de música culta del planeta: el Lucerne Festival.

La edición de este año 2009 (ver programa), como todos los años, atraerá a la preciosa ciudad suiza las mejores orquestas del mundo, los mejores directores, los mejores solistas, … la crème de la créme del panorama musical <s>clásico<s/> culto, vamos.

Entre ellos no puede fallar, naturalmente, el que es director musical del Festival y mejor director de orquesta del mundo, el maestro Claudio Abbado, que este año para colmo nos presentará mi sinfonía preferida: la 4ª de Mahler.

Los programas Abbadianos serán:

12, 14 y 15 de agosto, a las 19:30:

LUCERNE FESTIVAL ORCHESTRA
Claudio Abbado Dirigent
Yuja Wang Klavier 

Sergej Prokofjew (1891 – 1953)
Konzert für Klavier und Orchester Nr. 3 C-Dur op. 26 (Spotify)

Gustav Mahler (1860 – 1911)
Sinfonie Nr. 1 D-Dur (Spotify) 

&

21 y 22 de agosto, 19:30:

LUCERNE FESTIVAL ORCHESTRA
Claudio Abbado Dirigent
Magdalena Kožená Mezzosopran

Gustav Mahler (1860 – 1911)
Fünf Lieder nach Gedichten von Friedrich Rückert (Spotify)
Sinfonie Nr. 4 G-Dur (Spotify) 

Ohú. Sólo de leerlo me entran sudores fríos.

Por ello, escribo esto hoy a modo de aviso a navegantes:

EL LÚNES, DÍA 6 DE ABRIL, SALEN A LA VENTA LAS ENTRADAS PARA EL FESTIVAL DE LUCERNA*.

*Y SE AGOTAN EN SEGUIDA, Y NO SE PUEDE HACER COMO EN BERLÍN, COMPRAR ENTRADAS PARA ÚLTIMA  HORA: O SE COMPRAN EL PRIMER DÍA TEMPRANICO, O NO HAY TU TÍA.

Lo puedo decir más alto, pero no más claro.

Yo voy a coger entradas, naturalmente. Para el 21 Y el 22, seguro. Probablemente, también para el 15. El que se apunte, las puede comprar siguendo las instrucciones que nos indican en el programa (página 52):

Las entradas sueltas se pueden pedir por escrito desde el lunes 6 de abril de 2009, fecha en la que saldrá el programa detallado. Las peticiones realizadas antes de esa fecha no tendrán prioridad. Para cada pedido se cargarán 10 francos suizos en concepto de gastos. Por favor, verifique sus entradas inmediatamente después de recibirlas, ya que no se aceptarán reclamaciones más tarde.

• Por correo: usando el formulario adjunto [al programa].
• Fax: +41 (0)41 226 44 85
• Por internet: www.lucernefestival.ch

Nos vemos en Lucerna.

Lucerne Festival  |  Link

Señoras y señores, amigos y amigas, camaradas, melómanos de la tierra. Dejen lo que están haciendo y observen al genio trabajar:

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El protagonista del video es ni más ni menos que el eminente director de orquesta alemán Herman Scherchen (Berlin, 1981 – Florencia, 1966), uno de los grandísimos directores del siglo XX, actualmente medio olvidados por los melómanos menos avezados.

Muchas veces me han solido preguntar “¿pero de verdad hay tanta diferencia entre la versión de un director y la de otro? ¡si es la misma obra!” o “¿pero ese tío hace algo aparte de mover?”. La respuesta a ambas preguntas, como se observa en el video, es un rotundo SÍ.

Un día de estos les contaré una anécdota ataundarra sobre la dirección de orquesta.

A modo de propina, tras la reflexión, tres cosillas más:

MAHLER

Tengo un disco que guardo como oro en paño. Aunque está en CD, es imposible de encontrar en tiendas y bastante difícil por internet. Yo lo encontré en la tienda online de la propia discográfica que lo edita: Stradivarius (ahora mismo está a 5 euros el CD, aprovechen la ocasión y cómprenlo).

Se trata de un disco en el que podemos disfrutar, por ejemplo, de una Quinta Sinfonía de Gustav Mahler con Hermann Scherchen dirigiendo a la Orchestra della RAI di Milano en 1962. Aparte de la plena genialidad de la versión, lo que más llama la atención a primera vista es lo acelerado del Scherzo, que es el tercer movimiento. Fíjense en que dura 5 minutos y medio:

Si lo comparamos, por ejemplo, con la misma pieza y fragmento pero en versión de Georg Solti, observaremos claramente la diferencia de tempi (= “tiempos”). Ésta dura 16 minutos y medio:

Una diferencia tan avismal, naturalmente, no se debe sólo a los “tiempos alegres” que lleva, sino que se come varias partes del movimiento.

Esta energía es omnipresente en las versiones de este señor. En la versión que grabó de 1966 de “El Arte de la Fuga” de J.S. Bach (la del primer video de este post), por ejemplo, vemos su obsesión por los tempi, además de su gracioso acento alemán al hablar inglés. Otro botón de muestra: como nos dice Wikipedia: ”Otro notable hito es su grabación de 1958 de la Sinfonía Heroica de Beethoven para el sello discográfico Westminster (posteriormente editado en CD), conteniendo lo que aún es (hasta 2006) el primer movimiento más rápido que se haya grabado“.

BEETHOVEN

Buscando cosas sobre este hombre he encontrado una obra que, confieso, me era completamente desconocida. Se trata de la pieza Wellingtons Sieg de L.v. Beethoven. Wikipedia nos ilustra:

“Wellingtons Sieg (en castellano La Victoria de Wellington o también La Batalla de Vitoria), opus 91, es una obra orquestal de Ludwig van Beethoven compuesta en 1813 para celebrar la victoria de las tropas comandadas por el Duque de Wellington sobre los ejércitos napoleónicos en Vitoria (España), el 21 de junio de 1813.”

(…)

“Beethoven, consciente de que se trataba de una pieza menor, calificó la Victoria de Wellington de « estupidez ». A pesar de su mediocridad, esta obra fue una de las piezas más célebres durante la vida del compositor. Hoy en día ha caído en el olvido, pero no carece de interés histórico.”

En cualquier caso, me parece curioso, que Beethoven escribiera una obra sobre una batalla que tuvo lugar en mi propia comunidad autónoma, y que ¡ni siquiera haya oído hablar de ella! (ni de la música, ni de la batalla). Otro daño colateral de la decadencia del bachillerato, supongo.

Aquí está la versión de Scherchen, en dos partes:

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WAGNER

Por último, la guinda del pastel, la joya de la corona. En el mismo CD que he mencionado con Mahler, podemos encontrar otro ejemplo de esa tendencia a la taquicardia velocífera, en la versión de 1964 de la Overtura de Rienzi, de R. Wagner, con la Orchestra del Teatro alla Scala di Milano. Si sufren de alguna dolencia cardíaca, ruego no oigan esta música y se tomen una tilita para digerir lo que han oído hasta ahora.

No me digan que, con esta música, no les entran ganas de invadir Polonia…

Catálogo de grabaciones de Scherchen  |  Link (PDF) 
Hermann Scherchen en Wikipedia  |  Link

Esta semana he recibido una carta de la Quincena Musical de San Sebastián, el festival estival de música culta de Donostia. Todos los años desde hace unos cuantos recibo la misma carta en esta época del año. Dice así:

Estimado Sr. o Sra.:

Nos dirigimos a usted para comunicarle que el 20 de febrero se procederá al cobro de la cuota anual de Amigos de la Quincena Musical, correspondiente al año 2009.

Les recordamos que el avance de la 70 edición de la Quincena Musical se enviará en marzo, junto con la hoja de petición de abonos y entradas.

Atentamente,

Quincena Musical

¿Y qué demonios significa eso? Les explico: para obtener un abono o tener preferencia en la compra de entradas sueltas para el festival es obligatorio pagar una cuota anual (34€ para adultos, 18,50€ para menores de 25 y 50€ para parejas) por una tarjeta que acredita a su poseedor como “Amigo de la Quincena Musical”.

Muy pocas veces en mi dilatada carrera de comprador de entradas me he encontrado con un sistema parecido. La mayoría de las veces uno compra las entradas, o los abonos, cuando salen a la venta… y ya está. Ninguno de los grandes festivales (Salzburgo, Lucerna, Bayreuth, …) tienen un sistema parecido a este. Lo único que he encontrado que se le parezca es en el caso de las “asociaciones de amigos de la música” o “asociaciones filarmónicas” que de forma similar ofrecen ventajas como descuentos o prioridad en la compra de entradas, etc. La Musikverein de Viena es un ejemplo.

¿Dónde está entonces el origen de mi enojo? En un sencillo dato: a día de hoy he recibido los avances (casi siempre coinciden exactamente con el programa definitivo) del festival de Lucerna (PDF, 2.6MB), del festival de Salzburgo (link), etc … pero lo único que ha comunicado la Quincena es una nota de prensa (no dirigido a los melómanos asistentes) en el que se avanza vagamente media docena de intérpretes y un par de escenarios.

Dicho de otra forma, libre de polvo y paja, clarito clarito, que se me entienda a la primera: TENGO QUE PAGAR 34€ PARA PODER COMPRAR DENTRO DE UNOS MESES UN ABONO DE UN FESTIVAL CUYO PROGRAMA DESCONOZCO.

Por cierto, alguno se podrá preguntar por qué escribo eso. Muy fácil: como “cliente” habitual de este tipo de saraos, me gusta que “lo que compro” sea de buena calidad y este sistema es una chapuza. Cambiarlo sería factible, simple y beneficioso para todos. Al fin y al cabo es un proceso administrativo más que no aporta nada excepto trabajo y molestias (no creo que los 34 euros supongan demasiado dentro del presupuesto del Festival).

Link  |  Quincena Musical

La gente me pregunta a menudo: “¿cuál es el mejor público?”. Es algo sobre lo que he pensado mucho y, para mi, el mejor público es el que permanece en silencio el mayor tiempo posible al final de obras que tratan la muerte, como la 9ª de Mahler o el Requiem de Verdi. Si hay silencios así al final, no se puede aplaudir. Cuanto más dura el silencio, más se siente la presencia de la sala. Todo el público contiene la respiración y eso se siente. Reina otra acústica, otro ambiente.

Claudio Abbado.
Hearing the Silence (Documental).

Situación: Auditorio Kursaal de San Sebastián. La Göteborgs Symfoniker con la megaestrella roja venezolana Gustavo Dudamel al frente. Tras una 2ª Sinfonía de Beethoven “divertida” y una GRAN Heldenleben (Vida de héroe) de Richard Strauss, Dudamel intenta convencernos de que es, en verdad, sucesor de Claudio Abbado, forzando un “silencio después de la música” manteniendo la mano derecha, con la batuta, en alto.

Problema 1: el público del Kursaal NO mantiene el silencio. Sería pretencioso el mero hecho de que lo mantuvieran DURANTE el concierto. Resuena aún la última nota de la última pieza musical cuando las atareadas (!) viudas donostiarras se apresuran a abandonar el auditorio, como si tuvieran algo urgente e inaplazable que hacer como cenar o ver la televisión.

He estado en algunos conciertos donde, se lo digo con la mayor sinceridad del mundo, he experimentado lo que Bruno Ganz describe…

De repente, parece como si fuéramos un unísono. Por un momento todo se paraliza. Porque lo que se ha tratado, la forma cómo se ha tratado, el público que vibra, todo se compenetra. En un instante mágico en el que también se siente que no hay vacío o que no hay remolino. Se ha llegado al momento culminante en el que todos participan, es como entrar en una dimensión diferente, el tiempo se hace tangible. Pero sin forzar, no hay que estar a la espera y sentirse obligado por lo que pasa arriba, porque es preferible el momento en el que todos participan realmente. Es un gran momento. Al final de una obra de música, eso pasa a menudo. Es como un péndulo al pararse, porque el efecto de todo el sonido que ha llenado la sala durante horas declina… y se apaga. Por un momento surge algo. No hay que preguntarse qué es, sencillamente es. No sé lo que es.

Bruno Ganz
Hearing the Silence (Documental).

Pero para alcanzar el éxtasis con ese silencio casi palpable la condición indispensable es que se establezca una relación entre los “habitantes de la sala”: el director, los músicos, la música y los espectadores. Una relación sincera y homogénea, no jerárquica, que conforme ese “unísono”. Y por alguna extraña razón (que yo, en mi eterna y pedante cantinela de “odio mi pueblo”, atribuyo al provincianismo) NUNCA he sentido tal conexión en un auditorio como el Kursaal. Matizo: no hablo de que no haya establecido esa relación con la música aquí, sino que no he sentido que esa ACTITUD sea generalizada y llegue el “momento culminante en el que todos participan”.

Y, como he dicho, esa actitud NO PUEDE venir de una forma jerárquica, como pasó ayer, ni siquiera cuando es necesario crear esa situación porque la obra lo exige. Algunos, no es mi caso, defenderán este método como didáctico, como herramienta para enseñar a un auditorio irrespetuoso que “es mejor” mantener un “silencio prudente” al final de una obra que así lo reclama, como parte del hecho musical.

Problema 2: Lo que es insultantemente inapropiado es que eso que Abbado llama “otra acústica, otro ambiente” (aunque sea forzado) se vea inmediata y casi diría que deliberadamente violado por el ‘Tico-tico’ de Abreu, interpretado mientras algunos miembros de la orquesta hacían un strip-tease (que no cunda el pánico: sólo se quitaron el chaqué) y bailaban.

Click here to view the embedded video.

Nunca he entendido las propinas en conciertos que aspiran a un mínimo de seriedad. Soy partidario de usar la coherencia de la razón para confeccionar los programas de cada concierto, y “regalar” unas piezas que por lo general no guardan ninguna relación con el resto de la música no sólo lo veo fuera de lugar, sino que además me estorba sobremanera.

Que tras un Strauss tan bueno que la gente se vaya a su casa con Carmen Miranda en la mente es un despropósito y una falta de seriedad del propio Gustavo Dudamel. Naturalmente, no afectará a su creciente popularidad. Así nos va.

P.D.- En abril vuelve Dudamel a Donostia, con su Orquesta Simon Bolivar de Venezuela. ¿Puedo sugerir que se ponga una cesta de frutas a modo de tocado para bailar cúmbia-merenge-salsa? Al público seguro que le encanta.

Crítica Diario Vasco  |  Queremos más
Crítica Berria  |  (Todavía no se ha publicado)
Crítica Gara  |  (Tampoco, ni se publicará, supongo. Tienen Donostia abandonada)
Crítica Deia  |  (¿Cómo? Eso no existe)

De la ópera H.M.S. Pinafore, de Gilbert & Sullivan, reciente descubrimiento, extraigo del minuto 3:05 del video de arriba:

I grew so rich that I was sent
By a pocket borough into Parliament.
I always voted at my party’s call,
And I never thought of thinking for myself at all.

I thought so little, they rewarded me
By making me the Ruler of the Queen’s Navee!

Traducto:

Gané tanto dinero que fui enviado
por un pocket borough* al Parlamento.
Siempre votaba lo que me decía mi partido,
y nunca pensé en pensar por mí mismo.

¡Pensé tan poco, que me premiaron
haciéndome comandante de la armada de la Reina!

*Pocket borough: mas o menos, municipio en el que han sido comprados los votos.

Por cierto, la del video es la versión que dieron en la segunda de las BBC Proms de 2005, con la BBC Concert Orchestra bajo la dirección de Sir Charles Mackerras. El intérprete de esta canción es el barítono Richard Suart.

Adjunto la letra de la canción entera tras la pausa.

Ópera entera | YouTube
Crítica de la ópera | Daily Telegraph
Más info | Gilbert & Sullivan Archive

SONG — SIR JOSEPH

I am the monarch of the sea,
The ruler of the Queen’s Navee,
Whose praise Great Britain loudly chants.

COUSIN HEBE.   And we are his sisters, and his cousins, and his aunts!
REL.                  And we are his sisters, and his cousins, and his aunts!

SIR JOSEPH.

When at anchor here I ride,
My bosom swells with pride,
And I snap my fingers at a foeman’s taunts;

COUSIN HEBE.   And so do his sisters, and his cousins, and his aunts!
ALL.                  And so do his sisters, and his cousins, and his aunts!

SIR JOSEPH.

But when the breezes blow,
I generally go below,
And seek the seclusion that a cabin grants;

COUSIN HEBE.   And so do his sisters, and his cousins, and his aunts!
ALL.

And so do his sisters, and his cousins, and his aunts!
His sisters and his cousins,
Whom he reckons up by dozens,
And his aunts!

SONG  –  SIR JOSEPH

When I was a lad I served a term
As office boy to an Attorney’s firm.
I cleaned the windows and I swept the floor,
And I polished up the handle of the big front door.
I polished up that handle so carefullee
That now I am the Ruler of the Queen’s Navee!

CHORUS. — He polished, etc.

As office boy I made such a mark
That they gave me the post of a junior clerk.
I served the writs with a smile so bland,
And I copied all the letters in a big round hand–
I copied all the letters in a hand so free,
That now I am the Ruler of the Queen’s Navee!

CHORUS. — He copied, etc.

In serving writs I made such a name
That an articled clerk I soon became;
I wore clean collars and a brand-new suit
For the pass examination at the Institute,
And that pass examination did so well for me,
That now I am the Ruler of the Queen’s Navee!

CHORUS. — And that pass examination, etc.

Of legal knowledge I acquired such a grip
That they took me into the partnership.
And that junior partnership, I ween,
Was the only ship that I ever had seen.
But that kind of ship so suited me,
That now I am the Ruler of the Queen’s Navee!

CHORUS. — But that kind, etc.

I grew so rich that I was sent
By a pocket borough into Parliament.
I always voted at my party’s call,
And I never thought of thinking for myself at all.
I thought so little, they rewarded me
By making me the Ruler of the Queen’s Navee!

CHORUS. — He thought so little, etc.

Now landsmen all, whoever you may be,
If you want to rise to the top of the tree,
If your soul isn’t fettered to an office stool,
Be careful to be guided by this golden rule–
Stick close to your desks and never go to sea,
And you all may be rulers of the Queen’s Navee!

CHORUS. — Stick close, etc.