Siguiendo nuestro viaje fluvial  aguas arriba, hacia el oeste (por si no se habían dado cuenta…) el siguiente puente es el de Southwark. Primera curiosidad: si viajan en metro, fíjense que la señorita de megafonía anuncia la parada de Southwark pronunciándolo “sobac”. Así de claro.

A medida que la población de Londres aumentaba durante la revolución industrial, fue haciéndose patente la necesidad de construir un nuevo puente sobre el Támesis. Así que en 1813 se formó la Southwark Bridge Company, que encargó al ingeniero John Rennie (el mismo que unos años más tarde diseñó la enésima versión del London Bridge, la que está ahora en Arizona) el diseño y construcción de un nuevo puente a 300 yardas del antiguo muelle de Queenhithe.

El proyecto de puente con tres arcos de hierro colado (sobre estas lineas), fue aprobado aunque a la Corporation of London y a los Thames Conservators no les gustó mucho. A los primeros, porque no les hacía mucha gracia que fuese un puente de peaje, y a los segundos porque temían que obstaculizase la navegación. Este último problemilla fue solucionado haciendo que el arco central tuviese una envergadura de 73 metros, la más larga jamás construida de hierro colado.

Cuando aquel primer puente abrió, en 1819, con una accesibilidad inadecuada, un pavimento en desnivel y con peaje, se convirtió en un puente no demasiado popular y tuvo poco éxito, hasta que en 1864 el paso se convirtió en gratuito y comenzó a ser más transitado. De todas formas, a finales del siglo XIX la estructura era considerada demasiado estrecha para lidiar con el aumento de tráfico y se decidió reemplazarlo.

En 1913 comenzaron las tareas de demolición del antiguo puente, aunque hasta 1921 no se pudo terminar por la Primera Guerra Mundial. El nuevo puente (el que se ve en la fotografía en color de arriba) tiene 5 arcos de acero de 37’5, 40 y 42’5 metros de longitud, apoyados en tres torres que estaban diseñados de tal forma que estaban alineadas con los embarcaderos del Blackfriars Bridge y del London Bridge. Dichas torres fueron diseñadas por el arquitecto Sir Ernest George y de los arcos se encargó el ingeniero Basil Mott.

En la mitad del puente, en el lado oeste, hay una placa que dice:

Re-built by the Bridge House Estates Committee
of the Corporation of London
1913-1921
Opened for traffic by their Majesties
King George V and Queen Mary
6th June 1921
Sir Ernest Lamb CMG, JP Chairman
Basil Mott, CB Engineer
Sir Ernest George RA Architect

El Southwark Bridge acaba el Upper Thames Street en el lado sur, y en el lado norte se encuentra con el Ring of steel (“Anillo de acero”, la obstaculización deliberada de los accesos a la City que se montó tras la campaña de bombas del IRA a principios de los 90) cortando su acceso a la City, así que tiene fama de ser el puente menos transitado del centro de Londres. Incluso se le conoce con el seudónimo de “car park bridge” (el puente aparcamiento de coches), ya que los conductores de autocares lo usan para… adivinen qué: para aparcar sus vehículos.

Seguimos con la collección de puentes londinenses y a este, qué quieren que les diga… a este ni se tomen la molestia de hacerle caso.

Si, vale, las columnas dóricas sobre las que se que apoya la estructura de 1866 tendrían su aquel, pero tras la renovación de 1979-82 el puente quedó más sosamente utilitario aún que lo que era antes.

Curiosidad macabra: debajo de este puente, en 1989, hubo un accidente al chocar el “pleasure boat” (a ver cómo demonios traduzco eso… ¿¿¿”barco del placer”??? ¡Ni que fuera “vacaciones en el mar”!) llamado Marchioness contra el dragador Bowbelle. A bordo del Marchioness se estaba celebrando la fiesta de cumpleaños de Antonio de Vasconcellos (algo que sigue siendo muy típico: organizar fiestas flotantes por el Thames) y 51 de los 132 asistentes perecieron ahogados.

Si seguimos hacia el oeste del Tower Bridge, nos encontramos con el que es, sin lugar a dudas, el puente más histórico de la ciudad. En este lugar ha habido un puente desde que los romanos construyeron su Londinium, hace por lo menos 2000 años. De hecho fue el único puente londinense sobre el Támesis hasta que se abrió el Westminster Bridge en 1750. A menudo suele confundirse con el susodicho Tower Bridge.

Sin ánimo de entrar en detalles, el puente ha sufrido docenas de incendios, destrucciones, accidentes, deterioros, reconstrucciones y renovaciones a lo largo de su historia. Poco queda, por ejemplo, de aquel espectacular puente con viviendas, talleres e incluso una capilla encima, que había en este sitio en la edad media (foto, debajo). Se supone que alguna de estas destrucciones se refiere la famosa canción “London Bridge is falling down“. Algunos dicen que fue por el incidente de 1014 cuando, según la tradición, el puente fue derruido por el príncipe Olaf II de Noruega. Quién sabe…

En la actualidad el emplazamiento lo ocupa un a mi juicio insípido puente de cemento diseñado por Mott, Hay y Anderson y construido de 1967 a 1972. Fíjense si es soso, que el “día del recuerdo” de 2004 dotaron de una iluminación nocturna roja a todos los puentes de Londres y como a la gente le pareció que le favorecía, dicha iluminación fue conservada en éste puente (como se ve en la primera fotografía) y sólo en éste.

A modo de curiosidad, el puente que ocupaba el lugar hasta ese año, el del ingeniero John Rennie, fue reconstruído en Lake Havasu City, Arizona, por el empresario estadounidense Robert P. McCulloch, que pagó 2.460.000$ por él. Dicen por ahí que pujó por el London Bridge creyendo que lo hacía por el Tower Bridge, aunque él siempre lo ha negado.

Otra curiosidad, que leo en Wikipedia: “En 1722 el atasco era tal sobre el puente, que el alcalde decretó que “todos los carruajes y coches de caballos entrando desde fuera en dirección a la ciudad han de circular en el lado Oeste del puente, y todos los carruajes y coches de caballos saliendo desde la ciudad hacia fuera han de circular en el lado Este del puente”. Esto posiblemente fue el origen de que en Gran Bretaña se conduzca por la izquierda.” Mil duros a que nadie lo sabía.

Dado que sería bastante agotador e incluso a veces poco interesante visitar todos y cada uno de los 34 puentes de la Ciudad, y como tampoco me apetece escribir uno de esos “artículos de dimensiones bíblicas” que a estas alturas temeréis como a la peste, me centraré en unos pocos puentes que por algún motivo u otro considero dignos de mención. Precisamente “mencionarlos” será lo que haga, evitando ser exhaustivo en los detalles con el fin de escribir un artículo útil, pero digerible. Como diría Tip, “començón, empeçón, principión” (etc.):

Tower Bridge

Es, sin duda, uno de los puentes más reconocibles del mundo. Se erigió en 1894. Desde sus torres, que se levantan hasta una altura de 131 pies (40 metros), se puede divisar una espectacular panorámica sobre la City. Se trata de un puente levadizo que es capaz de elevar su sección central para dejar así paso a los grandes navíos.

Tradicionalmente, todos los puentes que cruzaban el Támesis se situaban al Oeste del London Bridge, y en su lado Este se emplazaba un bullicioso puerto fluvial. A finales del siglo XIX el Este de Londres se había vuelto una zona tan densamente poblada que se vieron obligados a construir el primer puente al este del London Bridge, ya que el tráfico rodado y peatonal retrasaba durante horas a aquellos que querían cruzar el río por otra parte.

Finalmente, en 1876, la City of London Corporation, que era la autoridad competente en esa parte del Támesis, decidió que la situación era insostenible. Pero surgió el problema: ¿cómo hacer un puente en la zona Este sin cortar el tráfico fluvial? Para dar respuesta a tal pregunta se formó la “Special Bridge or Subway Committee” ese mismo año y se abrió el proyecto a concurso.

Tras recibir más de 50 proyectos, finalmente fue en 1884 cuando Horace Jones, el arquitecto municipal, quien en colaboración de John Wolfe Barry proyectó el puente levadizo más grande materializado hasta aquella fecha, que se servía de un sistema hidráulico impulsado por enormes motores de vapor para inclinar en un minuto de tiempo las dos plataformas hasta su máximo de 86 grados. Y ganó.

Necesitaron ocho años del trabajo de 432 obreros para hacerlo realidad. Hubo que usar dos enormes diques con más de 70.000 toneladas de cemento, más de 11.000 toneladas de acero y granito de Cornualles y piedra de Portland para recubrirlo para su ejecución.

Hoy en día las plataformas todavía se accionan hidráulicamente, pero desde 1976 se impulsan por aceite y electricidad en vez de vapor. Si bien el tráfico fluvial ha decrecido considerablemente, todavía hoy en día se eleva unas 1000 veces al año y estas interrupciones del tráfico rodado y peatonal se pueden consultar, desde 2008, por Twitter. Lo que no ha menguado, precisamente, es el tráfico entre las dos orillas. Más de 40.000 personas lo cruzan todos los días.

El paso peatonal superior, cerrado en 1910 por la frecuente presencia de meretrices y carteristas, fue reabierto en 1982 como parte del museo que también ocupa las dos torres y las salas de máquinas. Más de 380.000 turistas lo visitan cada año.

Actualmente, se están llevando a cabo trabajos de restauración que comprenderán el periodo 2008-2010.

En 1916 un tal H.H. Statham escribió del puente: “Representa el vicio del mal gusto y la pretenciosidad, y de la falsificación de su realidad estructural” mientras Frank Brangwyn afirmó que “Jamás una estructura más absurda que el Tower Bridge ha cruzado un río estratégico”. No me atrevo a decir tanto… pero a mi, más allá de lo simpático del mecanismo, me parece horroroso. Sin embargo Dan Cruickshank lo incluyó en su lista de edificios para el programa de la BBC “Britain’s Best Buildings” (Los mejores edificios de Gran Bretaña).

Hay gente pa tó.

Link | Tower Bridge Exhibition

Abordemos una cuestión que me ha preocupado, sin hacerme perder el sueño, varias veces los últimos años: ¿cómo debe ser el restaurante la cafetería de un museo?

Basándome en mi experiencia de trotamuseos, he llegado a la conclusión de que este tipo de establecimientos hosteleros debe cumplir una función básica para justificar su existencia: ofrecer un espacio y unos productos adecuados para que el visitante, que ha venido a ver el museo y no el restaurante, reponga sus fuerzas antes, durante o después de su jornada de apreciación del arte.

En ese sentido las cafeterías de museos como el Moderna Museet de Stockholm (que tiene web propia, diferente a la del museo) son claramente los que sirven de modelo. Ofrecen, durante el horario de apertura del museo, un self-service de platos del día, ensaladas, repostería y frutas en un entorno agradable e informal y con algunas de las mejores vistas de la ciudad.

Es verdad que se ha  puesto de moda otra forma de entender estos abrevaderos: que la comida, como manifestación artística que es, debería formar parte de las obras que el museo expone. Alguien podría decir, por ejemplo, que en museos de arte contemporáneo hay que optar por restaurantes sofisticados y modernos con chefs estrella y gente cul para dar una imagen de qué-guays-somos-cómo-molamos. A mi me parece que si alguien quiere abrir un restaurante-museo puede hacerlo tranquilamente. Pero hasta que a alguien, buscando la coherencia de la susodicha reflexión, se le ocurra servir comida de la grecia antigua en el British Museum o tiranosaurio al chilindrón en un museo de historia natural, me parecerá una argumentación estéril.

Si a eso le sumamos que un restaurante de este tipo (o de otro que no se conciba ad hoc como “cafetería de museo”) carece, al menos en España, de flexibilidad en su menú, nos encontramos con que al salir tras la comida de primero+segundo+postre (y café+copa+puro, si me apuran) o un menú degustación de dieciocho platos regado con cinco botellas de vino, nuestros bioritmos bailan más al son de la siesta que al de “nos falta por ver todo el ala impresionista y el siglo XX”. Puede que sea lo que busque la gente, pero no parece lo más apropiado para un museo.

Restaurante Guggenheim Bilbao

La propia web del restaurante reza:

¿Un museo excepcional? Sí, pero también uno de los mejores restaurantes de Europa. ¿Arte contemporáneo? Sí, pero también arte culinario, sabrosa creatividad. ¿Una escultura habitable? Sí, pero además un lugar de encuentro feliz para compartir y disfrutar de excelentes instantes gastronómicos.

En los últimos años la palabra Guggenheim ha llegado no sólo a ser sinónimo de arte de vanguardia, sino también de alta cocina. El museo vasco alberga en su interior uno de los mejores y más creativos equipos de cocina del país, dirigido por Josean Martínez Alija, un joven chef surgido de la fértil cantera de Martín Berasategui al que toda la crítica especializada coincide en señalar como uno de los chefs de mayor proyección en el panorama culinario internacional.

Si el talento que se esconde en los fogones del museo se combina con las posibilidades estéticas y espaciales del edificio de Frank Gehry, se obtiene un restaurante único en el mundo, capaz de responder a las demandas más variadas con idéntica brillantez y solvencia. Un aperitivo, un exquisito bistrot o una cena única, pueden convertirse en acontecimientos inolvidables.

Confíe el servicio y el estímulo del paladar a nuestro equipo.

Busque un motivo, una excusa, grande o pequeña, para regalar o regalarse: venga y disfrute.”

Parece obvio que el restaurante se concibe como un motivo alternativo para que los visitantes acudan al museo, y no como un servicio más que éste ofrece a los amantes del arte. Es por ello que me parece un establecimiento que parte de un error de base difícil de solventar por muy brillante que sea la ejecución.

¿Pero qué tal es la comida?

Pues la verdad, si ignoramos todo lo arriba dicho, no es que sea un mal sitio para comer.

Al hacer la reserva preguntan si deseamos mesa en el “restaurante gastronómico” (!) o en el “bistrot”. El primero dispone de un menú degustación y una carta. El “bistrot”, en cambio, da a elegir en su carta entre un pequeño menú degustación “Sabor y naturaleza” y un “menú bistrot” de tres platos a elegir. He de subrayar, muy disgustado, que estos menús NO se cambian cada día. Supongo que serán estacionales.

Aunque seducidos por la oferta del “restaurante gastronómico”, optamos por el más económico bistrot.

Antes de empezar, al sentarnos en las barrocas sillas Hat Trick (diseñadas por Frank O. Gehry para Knoll), vemos que hay en la mesa un pequeño aperitivo. Intrigados, preguntamos a la camarera qué era, atún o salmón. No nos supo responder. “Es que lo van cambiando cada día”. Empezamos bien…

El Sr. I elige un Pastel de cabracho cuajado al horno, con vinagreta de tomate, chalota y ali-oli ligero. Un clásico.

El Sr. G opta por la Patata “spunta” asada sobre un tartar de verduras, láminas crocantes de espárrago triguero y brotes de varias lechugas aliñadas con “pistou” picante. Nada digno de mención.

Yo me decanto por la Tosta hojaldrada con tomate, matices de albahaca y lomos de anchoa escabechados con lechugas variadas. El hojaldre, recalentado, en contraste al fuerte sabor de las anchoas escabechadas. Sencillo pero elaborado, clásico pero con un toque fresco. A mi me gustó.

De segundo, el Sr. G pide unos Chipirones (Chipirones Pelayo) salteados sobre cebolla caramelizada y una pincelada de tinta negra. “Muy buenos, pero me acabo de tragar un pimiento de cayena entero”. Un error lo tiene cualquiera…

Tanto al Sr. I como a un servidor nos atrajo el Roastbeef de ternera, cortado en finas láminas con ensalada de pimientos morrones asados y romesco, si bien no nos hizo gracia que nos explicasen qué era el Roast Beef tras haberlo elegido. Si no sé lo que es, lo pregunto. Si lo he pedido, no hace falta que me lo explique. Aunque visto el corte de la clientela que nos rodeaba, quizás era necesario explicarlo. Un plato sin demasiada gracia pero correcto y sabroso.

De postre, para el Sr. G, los Pedazos de melón, servidos en una infusión fría de menta y helado de vainilla. Dijo que el helado estaba excelente.

Para mi, el Plum cake de melocotón, con mousse de tomillo – limón y helado de queso. Un plum cake extrañamente viscoso, un helado correcto y una mousse excelente.

Para el Sr. I, Fruta de la temporada a elegir. Sacaron el frutero entero, como debe ser. Al hacer esta elección, al principio de la comida, la camarera se quejó con un “pues qué pena”. No voy a echarle la bronca a I por venir a un restaurante así y pedir fruta… pero bueno, tenía razón.

Para terminar: un café Illy y una invitación (no está muy claro si era un “vale”) que nos invitaba a disfrutar de una copa “en la terraza nocturna del Museo Guggenheim Bilbao: un espacio agradable en un entorno espectacular, con música chill out, mobiliario de vanguardia y una suave iluminación”. Un poco repelente, ¿no les parece?

Conclusión

A modo de resumen de este artículo que TAMBIÉN me ha salido eterno y aburrido: si nos olvidamos de que NO es el tipo de establecimiento que debería ser, el menú bistrot del restaurante Guggenheim está entre los mejores menús del día que he probado en Bilbao, a pesar de alguna que otra impertinencia del servicio. Eso sí, son 20 euros por barba…

Link | Restaurante Guggenheim
Fotografías | Flickr

¿De verdad podía haber sido peor? Pues no mucho.

El estropicio Philharmónico de unos días antes obligó a los organizadores a trasladar los tres conciertos que esperaba con ansia desde hace más de un año al auditorio de la Waldbühne, construido por los nazis al lado del famoso Estadio Olímpico para los Juegos de 1936, que cuenta con un aforo para unas 22.000 personas.

Como es tradicional en este sitio, la muchedumbre acompañó el acontecimiento con una merendola a modo de picnic campestre. Algunos llevaron fruta, otros compraron fideos, helados… nosotros nos quedamos con un (triste) bretzel.

Hacia las ocho y cinco (impuntualidad extraña en los conciertos de la Philharmonie) apareció en escena el director artístico de la Berliner Philharmoniker, Simon Rattle, alias Harpo Marx / Duquesa de Alba. Su yerma oratoria se vio continuamente interrupta por los indiscriminados aplausos del respetable (!). Tras emitir algunos sonidos en forma de palabras, sin decir nada (p.e. “¡vaya semana!”), se fue tal como vino. Acudieron Claudio Abbado y Maurizio Pollini, bajando las escaleras cual ancianos desvalidos y dieron comienzo al espectáculo.

Resultó dolorosamente obvio nada más empezar que el emplazamiento no era en absoluto adecuado para un concierto de música culta más allá de las habituales exhibiciones de “clásicos populares” como overturas de óperas, etc. Quedó igual de patente que el Dr. Cabrera, que nos bendecía con su compañía, tenía toda la razón al afirmar que el concierto NO iba a merecer la pena.

Tras escuchar el Concierto para piano, dos helicópteros militares, avioneta, urracas, comentarista de campo de fútbol vecino, gritos de una niña y orquesta, en Sol Mayor (hasta que atardeció y llegó el “fresco moderado”) de Ludwig van Beethoven… y espontáneos, no tuvimos ninguna duda: abandonamos el complejo sin “escuchar” el Te Deum de Berlioz y nos fuimos a cenar a un tailandés con la esperanza de que, el año que viene, ningún contratiempo haga que no se cumpla de nuevo aquello de “Las visitas de Claudio Abbado a Berlín suponen la certeza de algo extraordinario“, tras el catastrófico paréntesis de este año.

P.D.- En el programa de mano (ver foto debajo de estas líneas) se indicaba, en alemán traducido como buenamente puedo: “Querido oyente, la acústica de esta sala es tan mala que hasta los sonidos de fondo son claramente audibles”. Ya nos dimos cuenta, ya.

* * *

Fotos | Flickr

A estas alturas todo el mundo sabrá (o debería saber) que ayer un incendio arruinó el viaje por el que he estado esperando todo el año. Hoy la ruina se ha corregido parcialmente.

Hacia las 14h de ayer un operario de los trabajos de reforma de la cubierta del auditorio provocaron un incendio entre el techo del mejor auditorio del mundo, la sala grande de la Philharmonie en Berlín, y el tejado del edificio. Como consecuencia de tal incendio y, especialmente, del agua que se utilizó para su extinción, la Sala Sinfónica y el Hall del complejo permanecerán cerrados, parece ser que hasta primeros de junio.

El übercósmico concierto (por triplicado, el 23, 24 y 25 de mayo) con el que sus divinidades Claudio Abbado (director) y Maurizio Pollini, junto a la mejor orquesta del mundo (la Berliner Philharmoniker), iban a bendecir a la humanidad ha tenido que ser finalmente “concentrado” en un sólo día (el sábado, 24 de mayo) y “realojado” en el auditorio de la Waldbühne, situado en medio de un parque al oeste de Berlín.

El nuevo emplazamiento, no cabe duda, va a perjudicar claramente la acústica. Pero qué le vamos a hacer: cuando no hay pan, buenas son las tortas. Suele ser lugar habitual de conciertos estivales al aire libre e “informales”. Un ejemplo de la que se puede armar allí lo podemos encontrar en videos como el que adjunto, de un concierto de cuando Claudio Abbado era director titular de la Berliner Philharmoniker.

Click here to view the embedded video.

Esperemos que la gente se modere [minuto 2:42 del video], que no llueva y que la acústica no sea tan catastrófica como parece a simple vista.

Ah, y a ver si al menos los espárragos no se queman…

* * *

Fotografía | Blogging Dagger

Mientras dábamos unas vueltas por el barrio, esperando a que abriera Oriol Balaguer, encontramos en la C/ Conde de Peñalver nº 40 un edificio magnífico. (Click aquí para ver la foto más grande).

Leo en Madridpedia:

La Iglesia de Nuestra Señora del Rosario de Filipinas se encuentra en la Calle Conde de Peñalver, en el número 40.
Fue construida entre 1967 y 1970 por el arquitecto Cecílio Sánchez-Robles Tarín y reformada por el también arquitecto Manuel Mateo Sanz en 1989. Es también el Convento de los Padres Dominicos.”

El templo fue diseñado en el mismo año en que Louis Kahn decía aquello de “Ante todo debo decir que la arquitectura no existe. Existe una obra de arquitectura. Y una obra de arquitectura es una oferta a la arquitectura en la esperanza de que ésta obra pueda convertirse en parte del tesoro de la arquitectura. No todos los edificios son arquitectura (…) El programa que se recibe y la traducción arquitectónica que se le da deben venir del espíritu del hombre y no de las instrucciones materiales”.

Salvando las distancias, esta iglesia sigue esa tendencia sesentera, que tan poca gracia me hace, de no “domesticar” el hormigón, haciendo que se vean las marcas de las tablas que se usaron para el encofrado. Ejemplos de esto podemos encontrar en todo el mundo: “me cansé” (es un decir) de verlo en Barbican o en el South Bank (ambos en Londres). También lo vemos en la Marina City de Bertrand Goldberg en Chicago (abierto el año en que esta iglesia fue diseñada), por ejemplo. Hoy en día suelen hacer que el encofrado se haga de una forma bastante más “refinada”, como en los magníficos ejemplos que nos brinda Sir Norman Foster en la estación de metro de Canary Wharf o de Bilbao, sin ir más lejos.

En cualquier caso, la iglesia de Nuestra Señora del Rosario de Filipinas no deja de ser un testigo de una época en la que todavía la arquitectura española seguía las vanguardias internacionales. Supongo que habrá quien discrepe de esto último…

(Mejor en grande y en enorme)

El arquitecto de esta maravilla, si no lo saben ya, es Ludwig Mies van der Rohe, cuya beatificación inmediata sigo reclamando como ya hice en otro post.

Una hora y ciento y pico fotografías (como la de arriba) a cada cual más patéticas después nos dimos cuenta de un triste hecho: algunos nacen con un don que a otros nos costará años imitar con dificultad. Y subimos a Montuïc, donde visitamos algunas de las instalaciones de las Olimpiadas de 1992, que envejecen con más o menos dignidad.

Tras la ruta turística acudimos a la llamada del Conde y su contacto local y amigo (ahora también el nuestro) Natxo (sí, yo lo escribiré con “TX”, porque lo digo yo punto com). En un restaurante de la calle Fontanella (cerca de Plaza Cataluña) comimos un menú del día que valía lo que nos cobraron: 9 euros. Hacía tiempo que no comía por menos de 10 euros, en San Sebastián parece haberse convertido en una misión, si no imposible, muy difícil.

Tras ello fuimos a Farga, en Diagonal 391. Todo hacía prever que Natxo iba a marcar tres puntos en el worldgatemetro, peeero nos echaron porque… no sabemos por qué. Intuimos que iban a cerrar el comedor para limpiarlo entre las comidas y la hora del té vespertino. Otro día volvemos, tenía buena pinta.

Que no panda el cúnico. La expedición se traslada 200 metros, a Mauri, en Rambla Cataluña 102. Tras probar un Sacher digno (no como otros) mientras esperábamos tres periodos sucesivos de 10 minutos nos trajeron por fin los cuatro chocolates calientes que habíamos pedido.

Es curioso: no esperaba encontrarme en Barcelona algunos de los chocolates más densos que he probado en mi vida. De esos en los que se introduce el bizcocho y al sacarlo se levanta con la taza. Éste, además, estaba bastante bueno de sabor.

De izquierda a derecha: un espontáneo que me fastidió la foto, medio Conde, Waneonwani, Natxo und mich, en la puerta de Mauri.

Tras eso volvimos al hotel a ponernos guapos (en la medida de lo posible, que en mi caso es poco) y quedamos con el segundo descubrimiento de la jornada: Ibán, a la puerta del Liceu.

La Cenerentola

La velada operística fue floja, floja, floja.

Y no sólo porque al abrir sus puertas el Gran Teatre del Liceu de Barcelona en 1999, tras la restauración por el gran incendio de 1994, eligiesen hacerlo con las mismas incomodidades que tenía en 1847, cuando fue inaugurado por primera vez:

Vista del escenario de una lámpara desde nuestras localidades.

La orquesta del Liceu esta bajo mínimos.

La producción de Joan Font (=Els Comediants) comete el error de querer ser “graciosilla” y “fantástica” dentro de una ópera cómica. Dice Roger Alier en su crítica de La Vanguardia:

(…) Rossini eliminó del cuento de Perrault sus elementos mágicos y lo convirtió en ópera bufa; Joan Font, con su producción, le ha devuelto la magia (…)”.

Soy de la opinión de que los directores de escena y diseñadores de la producción (vestuario, iluminación, escenografía, coreografía, …) no deben, NUNCA, caer en incoherencias argumentales o estilísticas con el compositor y el libretista. Y con ello no hablo de que no me guste reubicar una ópera a una época o un lugar distinto a lo especificado en el libretto, ni nada parecido. Hablo, por ejemplo, de llenar el escenario de ratas (me refiero a personas disfrazadas de rata) que no hacen más que distraer la atención del público a cosas que, graciosas o no, no vienen a cuento y convierten la ópera en circo. Soy consciente de que mi opinión tiene muchos detractores. Qué le vamos a hacer.

Si a eso le sumamos que la orquesta del Liceu es, ahora mismo, una orquesta de segunda categoría (Conde: no es que la orquesta fuese demasiado pequeña, es que no tiene volumen ni densidad). Y que la dirección de Patrick Summers, aunque con tempi aceptables, careció de liderazgo. Y que los solistas estuvieron, en general, hundidos en la mediocridad (con alguna excepción). Y que el coro masculino del Teatro tampoco es que sea ninguna maravilla… Sumando todo eso llegamos a la conclusión de que NO fue una velada calificable de “inolvidable”.

La mezzo-soprano estadounidense Joyce DiDonato (en su papel de Cenerentola) “no se vio” hasta su aria del final del segundo y último acto, que acometió con competencia. Cristina Obregón e Itxaro Mentxaka (Clorinda y Tisbe): correctas. Bruno de Simone (Don Magnifico), David Menéndez (Dandini) y Simón Orfila (Alidoro): flojos.

Juan Diego Flórez… qué les voy a decir que no haya dicho antes. Es el mejor tenor ligero del momento y punto. Espectacular en su aria “Si, ritrovarla io giuro” y magnífico acompañando.

Lo triste es quedar con la sensación de que toda la ópera gira entorno a Flórez, cuando en realidad es la mediocridad del resto lo que nos hace caer en dicha sensación.

* * *

Entre el Conde, Waneonwani, Ibán y Natxo (y, al día siguiente, el Dr. Chevrière) nos juntamos en Barcelona “lo mejor de cada casa”. Más allá de las suculencias, las melomanías y las visitas urbanas, esta confluencia de gente divergente/divertente ha sido lo mejor del viaje.

(Waneonwani e Ibán)

(El Conde y Natxo)

Enlaces

• Fotografías de Barcelona en mi espacio Flickr: aquí.
• Sitio Web de la Fundación Mies van der Rohe: aquí.
• Sitio Web del Gran Teatre del Liceu: aquí.
• Crítica de La Cenerentola en El País: aquí.
• Crítica de La Cenerentola en La Vanguardia: aquí.
• Crítica de La Cenerentola en El Periódico de Catalunya: aquí.

Leo en el Journal of Economic Geography un artículo titulado “Bohemian attraction to creative milieu” (= “Atracción bohemia a entornos creativos”, o algo así):

Creative class theory posits that creative people are attracted to places most conducive to creative activity. The association of the share of employment in the arts with various indicators of economic dynamism provides plausible support for this conjecture. We explicitly test this conjecture by modeling the 1990 share of employment in the arts at the county level, and then use the residual from this regression to explain differences in various measures of economic dynamism between 1990 and 2000. Our results support the hypothesis that an unobserved creative milieu that attracts artists increases local economic dynamism.”

Traduzco como puedo:

La teoría de la clase creativa propone que la gente creativa es atraída a los sitios más orientados hacia la actividad creativa. El vínculo entre la parte artística del empleo con varios indicadores de dinamismo económico provee un apoyo plausible a esta conjetura. Probamos explícitamente esta conjetura basándonos en la proporción de empleo artísticos a nivel regional y luego usando el residual de esta regresión para explicar diferencias en varios indicadores de dinamismo económico entre 1990 y 2000. Nuestros resultados apoyan la hipótesis de que un entorno creativo inadvertido que atrae artistas aumenta el dinamismo económico local.”

Y ahora traduzco al román paladino (tras leer algo más que el abstract, lo cual recomiendo):

1. Los entornos “fasion” atraen a gente “fasion”.
2. La gente “fasion” genera más pasta.

Y por último, interpreto: tener una temporada de ópera y/o ballet, salas de exposiciones, museos, teatros, calles “bonitas”, edificios vanguardistas, restaurantes que vayan más allá del chuletón y el chacolí (recuerdo que la gastronomía ES arte)… QUE UNA CIUDAD SEA A(R)TRACTIVA hace que la gente que nos va a pagar la jubilación vaya a vivir a esa ciudad.

En el reciente congreso “Euskal Hiria 2007“, al que tuve el placer de asistir, el gran Alfonso Vegara (presidente de la Fundación Metrópoli, doctor arquitecto, economista y sociólogo… ahí es nada) nos situaba en “un contexto de ciudades en competencia por la atracción de talento”.

Intuyo que va siendo hora de olvidarnos de cosas del tipo “basta nuestro marco incomparable™ para ser superiores al resto”, “no hay nada como el chuletón de toda la vida” o mi frase favorita: “cómo te va a gustar la ópera si eres de Ataun”.